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Trilogía de Ingmar Bergman.
En 1960, el legendario director Ingmar Bergman comenzaría a trabajar en tres de sus películas más poderosas y representativas, una trilogía conceptual; habiendo obtenido el éxito internacional con obras maestras como El Séptimo Sello (1957) y El Mago (1958), Bergman se alejó del expresionismo para enfocarse en una serie de dramas de cámara que exploran la fe y la alienación en el mundo moderno. Colaborando con su cinematógrafo Sven Nykvist y su círculo refinado de regulares como Harriet Andersson, Gunnar Björnstrand, Gunnel Lindblom, Ingrid Thulin, y Max von Sydow, Begman dirigió en un lapso de dos años A través del espejo, Los comulgantes y El silencio, exponiendo a los cinéfilos de todo el mundo a un nuevo nivel de intensidad intelectual y emocional al trasladar las propias crisis espirituales del director. La trilogía de Bergman examina la necesidad de la religión y cuestiona la promesa dentro de la fe.
Los comulgantes (1963).
Aquí, Bergman explora la búsqueda de redención bajo una existencia sin sentido con el pastor Tomas Ericsson (Gunnar Björnstrand) quien realiza sus labores frente a una congregación cada vez más débil que incluye a su necia y devota amante Märta (Ingrid Thulin). Cuando se le pide calmar un problemático hombre (Max von Sydow) con temor frente a la posible aniquilación nuclear, Tomas se encuentra aterrorizado de no poder ofrecerle algo más que su propia duda. Los comulgantes es una mirada inquietante del ser humano y su validación personal en un mundo abandonado por Dios.
El Silencio (1963).
Dos hermanas -la intelectual Ester (Ingrid Thulin) y la sensual y pragmática Anna (Gunnel Lindblom)- viajan en tren con Johan (Jörgen Lindström) el hijo menor de Anna a un país extranjero que se encuentra en el inicio de una guerra. Intentando sobrellevar los paisajes que les alienan, cada hermana es dejada a su propia suerte mientras pelean por el afecto de Johan, y al hacer esto sabotean lo poco que tienen de su relación. Una de las películas más provocativas de su tiempo, El Silencio ofrece una visión perturbadora sobre la isolación emocional en medio de un vació espiritual sofocante.
Cada película incluye un material independiente y es la primera vez que se reeditan fuera de la colección de Bergman del año pasado:
- Restauración en 2K de cada película.
- Introducciones por parte de Bergman del año 2003.
- Anotaciones por parte del invvestigador Peter Cowie del 2003.
- Ingmar Bergman hace una película: documental de cinco partes de Vilgot Sjöman creado para la televisión sueca durante la producción de Los comulgantes.
- Entrevista con Harriet Andersson del año 2012.
- Entrevista con Gunnar Björnstrand del año 1962.
- Entrevista con el cinefotógrafo Sven Nykvist del año 1981.
- Galería de posters.
- Trailers de Estados Unidos.
- Versiones alternas dobladas en inglés.
- Ensayos de parte de Peter Matthews, Peter Cowie, Leo Braudy y Catherine Wheatley.
- Una carta de parte del director Vilgot Sjöman.
- Un extracto del libro de Bergman La linterna mágica de 1987.
Ritmo Loco (George Stevens, 1936).
Un musical totalmente irresistible, con el legendario dúo de Fred Astaire y Ginger Rogers en el pináculo de su arte cada uno como un apostador irresponsable y su astuta instructora de baile en donde encuentra su símil. George Stevens une el romance con el humor y hace que sus actores limpien el suelo con escenas de baile en donde Astair y Rogers vuelan sin esfuerzo alguno en una fusión virtuosa del baile de salón y el tap, aunada a las canciones de parte de Dorothy Fields y Jerome Kern, por la que llegaron a ganar un premio de la academia gracias a la clásica “The Way You Look Tonigh”. Es una exuberante celebración de la química, gracia y felicidad de sus estrellas plasmada en la pantalla grande.
- Estauración en 2K.
- Comentario de John Mueller, autor de Astaire baila: los filmes musicales del año 1986.
- Entrevistas de archivo hacia Fred Astaire y Ginger Rogers, además del coreógrafo Hermes Pan.
- Nueva entrevista con George Stevens Jr.
- In Full Swing, un nuevo especial sobre las coreografías del filme y su sountrack con el crítico de jazz y cine Gary Giddins, el crítico de baile Brian Seibert y la biógrafa de Dorothy Fields Deborah Grave Winer.
- Entrevista con la historiadora de cine Mia Mask respecto al número musical “Bojangles of Harlem”.
- Ensayo de parte de Imogen Sara Smith.
La Humanidad (Bruno Dumont, 1999).
La segunda película de Bruno Dumont es una muestra del asombro y el horror de la condición humana a través de la historia de un profundamente melancólico detective de policía -Emmanuel Schotté en el papel que le hizo acreedor a un premiode Cannes por su primer papel- que mientras investiga el asesinato de una joven, experimenta momentos de epifanía y conexión física y emocional. Demostrando la capacidad de Dumont con actores inexperimentados y la franqueza al mostrar los cuerpos y la sexualidad, La humanidad es un filme policiaco y a su vez una tensa exploración entre la capacidad humana de la compasión y nuestros instintos animales.
- Restauración en 4K aprobada por Bruno Dumont.
- Nueva entrevista con Dumont.
- Conversación entre Dumont y el crítico de cine Philippe Rouyer del año 2014.
- Segmento de Tendencias, programa televisivo francés con la actriz Séverine Caneele.
- Segmento de un programa de noticias francés con Dumont del año 1999.
- Trailer.
- Ensayo de parte del crítico de cine Nicholas Elliott.
La vida de Jesús (Bruno Dumont, 1997).
El debut de Bruno Dumont inmediatamente le estableció una reputación como un heredero espiritual de Robert Bresson y de ser un iconoclasta sin compromisos en el cine francés del fin del siglo. Mezclando un cruel realismo con momentos de belleza, La vida de Jesús encuentra de manera inesperada riqueza filosófica en la vida cotidiana de Freddy, un joven con epilepsia que en su simpleza casi infantil, encarga ternura y brutalidad. Dejando la película a una interpretación abierta, Dumont lanza el reto a los cinéfilos de encontrar lo divino en un mundo que está pereciendo.
- Restauración en 4K aprobada por el director Bruno Dumont.
- Nueva entrevista con Dumont.
- Conversación entre Dumon y el crítico de cine Philippe Rouyer del año 2014.
- Dos episodios de Le cercle de minuit, programa francés de 1997.
- Trailer.
- Un ensayo de parte del crítico de cine Nicholas Elliott.
Hedwig and the Angry Inch (John Cameron Mitchell, 2001).
Este musical del director -y estrella- John Cameron Mitchell y el compositor Stephen Trask trae a la vida su creación de los escenarios a la pantalla grande en una película tan poco clasificable como su protagonista. Educado como un niño en el Berlín del este, Hedwig (Mitchell) sufre una transformación traumática para poder emigrar a los Estados Unidos, en donde se reinventa a si misma como una diva del rock “internacionalmente ignorada”. Vemos la vida de Hedwig a través de su música, una colección de temas de punk y baladas por parte de Trask, sincronizándolas con un mosaico musical de fantasías de video, segmentos animados y momentos de realismo emocional. Un ciclo de canciones progresivas para un noble estudio de un personaje, es un tributo al trascendente poder del rock and roll.
- Restauración en 4K supervisada por el director John Cameron Mitchell y el cinefotógrafo Frank DeMarco.
- Comentario del año 2001 con Mitchell y DeMarco.
- Una plática con los miembros del cast y crew con Mitchell, DeMarco, el compositor Stephen Trask, el maquillista y peinadora Michael Potter, el animador Emily Hubley, y el consultor visual Miguel Villalobos.
- Whether You Like It or Not: The Story of Hedwig (2003), documental de 85 minutos que habla sobre el desarrollo del proyecto, desde sus inicios en los clubes de Nueva York hasta su premiere en el festival de Sundance.
- Plática entre Trask y el crítico de rock David Fricke.
- From the Archives, un especial que explora la producción del filme el legado de esta con su memorabilia.
- Escenas eliminadas con comentario de Mitchell and DeMarco
- Trailer
- Un ensayo por parte de Stephanie Zacharek, acompañado de fotos de la producción tomadas por Potter y la diseñadora de vestuario Arianne Phillips, ilustraciones de Hubley y dos extractos de las obras que inspiraron la película: El Simposio de Platón, y El evangelio de Tomás.
La guerra y la paz (Sergei Bondarchuk, 1966).
El punto más alto de la industria fílmica soviética durante la guerra fría quiso dejar en vergüenza a Hollywood con una película que pudiera maravillar al mundo: una adaptación titánica del clásico de Leon Tolstoi que narra el destino de tres almas que se encuentran en el tumulto ocasionado por las guerra Napoleónicas. Con un cast de miles y el uso innovador de la cámara, el director Sergei Bondarchuk crea una visión de magnificencia y belleza rococó con batallas sosprendentes que te dejan mudo con su poder expresionista. La guerra y la Paz fue un éxito, logrando obtener el premio de la Academia a mejor película extranjero y poniendo la vara muy en lo alto para aquel que intentara hacer cine épico.
- Restauración en 2K
- Entrevistas con el cinefotógrafo Anatoly Petritsky y el cineasta Fedor Bondarchuk, hijo de Sergei Bondarchuk
- Dos comentarios de 1966 sobre la realización del filme.
- Programa de televisión de 1967 con el actor Ludmila Savelyeva, y Sergei Bondarchuk.
- Especial con la historiadora Denise J. Youngblood, autora de Bondarchuk’s “War and Peace”: Literary Classic to Soviet Cinematic Epic, quien detalla los contextos históricos y culturales del filme.
- Trailer.
- Un ensayo por parte de Ella Taylor.
