El lunes pasado recibí un golpe bastante duro: Dispuesto a dormir tras una madrugada de investigación, recibo la noticia de parte de un amigo la cual tengo que leer dos veces: Ennio Morricone ha muerto. Esta frase me genera en un principio total desconexión porque me resulta irreal, pero esta irrealidad se termina amoldando y me duele mucho… es tal el shock que no puedo dormir, y cual zombie me dedico todo el día a devanear entre mis pensamientos y mis recuerdos acompañado de Morricone en su música.
Llorar la pérdida de Morricone no es precisamente por el dolor de no verlo más… fue un hombre que llegó a una edad envidiable y con una carrera que nadie va a superar, pero el espectro nostálgico es lo que de manera determinante afecta a una persona: crecí con él, lo enseñé a mis amigos y familiares, amé con él, reí con él, caminé con él, lloré con él, fue un compañero al que nunca escuché vociferar una palabra hacia mi persona pero que con su música apoyó en todo sentido y sin que este se diera cuenta.
Mi relación con Morricone es la de un fanático, un fanático que además ha estado viendo la reacción mediática sobre la pérdida del maestro en la cultura popular; las reflexiones son material muy valioso que van desde ensayos hasta cartas de despedida, aunque en donde encuentro distancia es a la hora de recomendar trabajos. La discografía de Morricone es, a falta de otra palabra: imponente.
El compositor italiano estaría realizando más de 600 trabajos en vida e incluso quedó a deber unos dentro de su natal Italia, por lo que definir su carrera en canciones -y por lo que he visto, 10- es apenas una pizca de su grado de genialidad. Esta lista que hago presente es para los que quieran adentrarse a la discografía de un genio de la música de películas, y que además es un listado de índole personal, porque repaso 50 trabajos de Morricone que me han acompañado, me han dejado sordo en un número de ocasiones poco decorosas, y que además considero sus mejores trabajos.
Sin nada más que agregar, aquí están los 50 mejores scores de Ennio Morricone.
50.- Navajo Joe (1966).
El mundo de Ennio Morricone puede llegar a ser una mezcla de ridículo y épico que no todos pueden salir airosos de intentar, en el caso de Navajo Joe tenemos a una balada india provista de un coro mixxto mientras una dama clama en gozo pseudo religioso -algo que estaremos viendo en toda su carrera- el nombre del personaje interpretado por el machote de Burt Reynolds con su tomahawk y poderío frente a las féminas.
49.- Il Federale (1961).
Este es el primer trabajo oficial de Morricone en el campo de la composición fílmica tras años de haber estado laborando como escritor fantasma en otros proyectos, por lo que resulta interesante contemplar su primera aproxximación oficial. Morricone genera una serie de temas para banda de guerra que de manera burlona presenta la dinámica de enemistad de los dos protagonistas del filme, en sonidos de una percepción caricaturesca.
48.- Giordano Bruno (1973).
Giuliano Montaldo recurre a Morricone por segunda ocasión para que este genere la música de una de las figuras más trágicas en la relación ciencia/religión del pasado: la de Giordano Bruno. Morricone entiende la irreconciabilidad del hombre y los caminos dogmáticos que no quiere seguir, tratando a estas dualidades con cantos gregorianos y de índole religiosa no para tachar a Bruno de mártir, sino para hacerle definir un sentido existencial a su búsqueda y lógica que el otro sector se negaba a entender.
47.- Per Qualche Dollaro In Piu (1965).
Es un poco frustrante saber que Por un puñado de dólares nunca -hasta el momento- ha tenido una edición libre del sonido ambiental en su música, ya que es bastante memorable y de los tres compuestos en la saga del hombre sin nombre el que mayormente expresa este mundo de violencia que rechaza el tono del western americano, quizás mejor detallado en un pequeño tema musical presente de manera diegética: una cajita musical que evoca a un momento de felicidad, rezago de la experiencia de una mujer que ante la agonía de ser violada, termina suicidándose.
46.- Il Gatto A Nove Code (1971).
El gato de las nueve colas no es el giallo mejor recordado de Dario Argento, pero sí es el que posee la mejor colaboración de este con Morricone, quien da rienda suelta a una composición habitualmente atonal que llega a sorprender por su visceralidad y experimentación, que además van de la mano con un elegante tema principal de clave y violín… estos generan una atmósfera incluso más aterradora que la presente en el filme.
45.- Il Trio Infernale (1974).
Aquí, el maestro deja desarrollar una visión pesimista y grotesca retratando las peripecias del epónimo trío infernal, un grupo de embaucadores que llegan a matar y disolver en ácido a sus víctimas con tal de obtener sus pertenencias, con un sonido que destaca esta galantería y vida de portentos desatada,, llegando a unos impulsos grotescos y acelarados de extrema felicidad considerando el asunto que retrata, generando un contraste bastante notorio que punza más en su intención.
44.- Giornata Nera Per L’Ariete (1971).
Morricone se encargaría de musicalizar cientos de giallo de variables respecto a su calidad… Negra Noche no es precisamente uno de los más recordados puesto que la dirección de Luigi Bazzoni depende mucho de los elementos que otros realizadores ya han explorado dentro del género y no aporta algo de valor, ni siquiera siendo como un producto vulgar o violento. Pero lo que tiene de total fortaleza es el score de Morricone, quien sigue con sus exploraciones sonoras pero en esta ocasión agudizando un tono erótico de mujeres que se pierden entre violines agudos.
43.- Uomini e No (1980).
Retratando el amor imposible de un hombre enfrascado entre la revolución anti fascista de Italia durante la Segunda Guerra Mundial, aquí lo que tenemos presente son dos grandiosos temas: el primero -y quizás más efectivo considerando el impacto emocional de los protagonistas- es aludir a la Italia descompuesta, con una marcha en crescendo -habitual dentro de los temas de Morricone– pero que esta amenaza guía el romance de los protagonistas con una flauta que sigue esta pauta pero de manera contenida.
42.- Orca (1977).
Orca comenzó siendo un rip off de Tiburón (1975) que el nefasto de Dino De Laurentis quería a como fuera lugar… terminaría arrastrando a Michael Anderson –el director de La vuelta al mundo en 80 días– a una producción descontrolada de la que este supo maniobrar con una delicadeza que el productor no buscaba exactamente, él quería una obra bobalicona, pero lo que obtuvo fue una reflexión sobre la naturaleza de la venganza presente en un capitán “desalmado” y una ballena que ante la pérdida de todo lo que amaba decide que este hombre va a ser la presa de su ira, haciendo que este también se vea reflejado en su eterno enemigo y la valentía de afrontar actos cruentos de su vida que él de manera cobarde no supo hacer en su pasado.
Esto termina siendo una película extremadamente depresiva, y también es por uno de los scores más preciosos de Morricone que desde el tema principal -interpretado por Caroll Connors– comienza a generar esa sensación de mayor empatía ante el supuesto monstruo del filme.
41.- Vamos a matar compañeros (1970).
Vamos a matar compañeros es un pegajoso tema principal cantado en español que efectivamente, hace el llamado para el levantamiento de armas de una forma tan burlona que resulta imposible el no cantarle. Sería fácil por parte de Morricone el haber extrapolado el tema principal del filme -elemento que llega a hacer en varias ocasiones dentro de otros proyectos- pero de manera sorpresiva es muy rico temáticamente.
40.- L’Immoralita’ (1979).
Este es el proyecto más atrevido de Morricone y que no tuvo miedo de asociar su nombre con una película que ante ojos modernos sí resulta ser controversia pura, un producto de su época que ya de por sí era bastante cuestionable. La inmoral es una película nihilista que sigue la vida de una niña quien de pronto encuentra a un hombre -quien resulta ser un asesino serial de infantes- y a quien lo deja entrar a su casa, en donde surge un triángulo amoroso entre ella, el hombre, y la madre inválida quien decide contratar a este nuevo amante para asesinar a su esposo.
Morricone inyecta un aire nostálgico y de inocencia de inmediato con un piano que simula ser esta percepción rota del mundo bajo el perfil de una menor de edad, también recalcada por la vocalización de una nana sin sentido que termina acompañando el instrumento.
39.- Mio Caro Dottor Grasler (1991).
Morricone o es explosivo, o es experimental, o es contenido, en un terreno del formalismo romántico, este es prueba de un Morricone sutil y capaz de ofrecer temas igual de memorables y de fácil adhesión mental para el espectador, esta vez narrando el punto de partida de un hombre adulto, sus amores, y las pérdidas que van sumando conforme sale de su zona de comfort.
38.- Indagine Su Un Cittadino Al Di Sopra Di Ogni Sospetto (1970).
¿Cómo capturas el sonido del perfeccionismo metódico de una mente criminal en potencia que quiere retar a la sociedad demostrando la inutilidad y nulificación de las investigaciones policiacas? Fácil, comienzas con un sonido que parece un resorte. Investigación de un ciudadano libre de toda sospecha es una sátira que desde un inicio por Morricone se muestra como tal, una obra de humor negro que debe tomarse con preocupación por lo que dice más no por lo que presenta a escena… pero esta idea del resorte hace hincapié en los retos que El inspector formula sobre su plan perfecto, uno al que le da vueltas y vueltas en una espiral que poco a poco va adquiriendo tonos villanezcos. La partitura principal fue una de las composiciones clave para Morricone y una que era frecuente en sus conciertos, sobre todo por la exploración que podía obtener con la orquesta y sus elementos, aunque la versión de estudio posee una crudeza que vale mucho la pena.
37.- El Greco (1986).
El Greco es derivado del trabajo que había realizado en Giordano Bruno -es de hecho, uno que habitualmente puedes encontrar a la venta en unos paquetes 2×1 que se lanzaron durante los años dos mil- pero aplicado a una milésima potencia. Aquí los cantos de liturgia y poder sacro repleto de coros magnánimos adquieren una constante histórica, porque son extractos readaptados por parte de Morricone; esto inyecta una gran cantidad de drama al de por sí frecuente tema del pintor, que aparece con un tono heroico.
36.- Dimenticare Palermo (1990).
Morricone musicalizó varios thrillers políticos dentro de la natal Italia contemplándolos con un tono burlón y satírico,, pero fue durante la década de los años noventas -posterior a su aproximación norteamericana que dichos thrillers abandonaron las pretensiones satíricas para adaptar un sonido por decir más serio. La conexión Palermo -película adelantada a su época al tratar de proponer la venta legal de drogas para acabar con el crimen organizado- propone un tema principal explosivo que de hecho parece provenir de una revisión de la secuencia de títulos de Los intocables.
35.- La Sconosciuta (2006).
La desconocida puede que se trate del último gran trabajo de Morricone dentro de su filmografía nacional, y esta ve de parte de la abitual colaboración con Giusseppe Tornatore. Podemos percibir tonos habituales de parte de Morricone en una música con mismos tintes de amargura y riqueza romántizca, a la cual secuencia con temas de suspenso con una cadencia agresiva, inspirado en una escuela de Herrmann.
34.- White Dog (1982).
Las incursiones de Morricone dentro del cine norteamericano son recordadas entre fanáticos y especialistas, pero muy pocos recuerdan que en 1982, el año en que musicalizara La cosa -que más adelante aparecerá por aquí- el compositor entregaba una finura dentro del género del horror: Perro Blanco.
Quizás apoyado en la infamia del proyecto cancelado de Sam Fueller por parte del estudio que pensaba que una película sobre un perro que mataba personas afroamericanas no adquiría los tintes explotativos que esperaban y a su vez, contenía una carga muy compleja sobre la naturaleza del racismo y del interés de querer erradicarlo, que puede llegar a ser fructífero. Bajo esta percepción, el score de Morricone posee una carga emocional muy fuerte: desarrollando un tema simple para el perro que ve el mundo entre blanco y negro -literal- y que va anunciando la tragedia implícita para él y sus seres queridos que buscan reformarlo.
Es extremadamente efectivo, y por mucho el score más ignorado de Morricone en su carrera.
33.- Frantic (1988).
A menudo olvidada por el tema de Simply Red que se volvió popular en las radios norteamericanas, el trabajo de Morricone es uno que podemos acomodar dentro del catálogo de “fantástico uso de un bajo”, con un tema de misterio que se desenvuelve de manera poco usual para el compositor… con sonidos electrónicos. Es bajo esca concepción, de sus trabajos más experimentales si tomamos en cuenta los sonidos que por años evocó como propios a falta de presupuesto.
32.- Exorcist II: The Heretic (1977).
Podemos estar de acuerdo en que El exorcista II: El hereje (John Boorman) no es la mejor secuela de la historia, de hecho palidece bastante en comparación con la obra maestra que representa la primera parte… y si bien falla en este terreno, es una de las películas más interesantes de ver bajo su producción y resultado. Morricone parecía ser el único apropiado para poder musicalizar un trabajo tan extraño y claramente sigue la pauta de la película con temas de una magia prohibida africana en uno de sus primeros acercamientos a sonidos religiosos fuera de las percepciones cristianas que serían detonadores para sus trabajos más populares.
La cereza del pastel se encuentra en mezclar esto con música disco en una pesadilla de ácido que ningún otro artesano del medio pudiera habe pensado.
31.- Barbablu (1972).
El tema principal tiene un silbato de pato: un artefacto tan ridículo que sirvev para poner a la mesa la intención de Morricone de establecer una perspectiva guignol sobre exagerada para musicalizar una historia de horror proveniente de los cuentos de hadas… que a su vez con el uso de tan extraña decisión le quita poder al villano, presentándolo en un tono de patético, estos momentos no aparecen en los temas más aterradores cuando Morricone establece los asesinatos y descubrimiento de estos a través de una evocación directa a Lon Chaney: el órgano.
30.- La Battaglia di Algeri (1966).
Uno de los primeros trabajos de Morricone es uno de los más valientes y que también reflejan mucho la amistad que este tendría con los realizadores de filmes, al hacer caso de parte de Gillo Pontercorvo de musicalizar un proyecto tan inusual como un docudrama que desembocó en una fuerte colaboración por parte de los dos. La batalla de Argel al igual que El federal va sobre marchas de guerra, pero aquí existe una agresividad frente al sonido bélico del que no quiere ser partícipe y que ocultan los verdaderos sonidos de esperanza y condición humana.
29.- Per un Pugno di Dollari (1964).
Sólo hay que poner en contexto la importancia de esto: Morricone asume la posición de compositor para el primer western de su mejor amigo Sergio Leone… pero no tienen el suficiente dinero para una orquesta normal. Morricone suple esto con ideas que buscan sonido potencial temático en cosas poco usuales como silbidos, un golpe metálico, coros varoniles, guitarras eléctricas. Esto cambio la forma de hacer música en todo el mundo, porque terminaba de aproximar un tono violento y sucio que terminó devorando el sonido habitual del género: ya no podemos pensar en vaqueros sin estos experimentos.
28.- Guns For San Sebastian (1968).
Si Morricone es conocido por el sonido que quebranta esquemas dentro del género del western, también es cierto que con presupuesto podía idear temas y sonidos de la vieja escuela… prueba máxima sería este de 1968 -su año más fructífero- con una producción México-italo-americana de una extrema poesía y calma que recuerda mucho al estilo de Dimitri Tiomkin. Aquí que como de costumbre, posiciona a la preciosura de Edda Dell’Orso como la concepción de héroes dentro del mundo de balas y sangre.
27.- The Hateful Eight (2015).
Siempre me quedó marcado el día en el que Morricone recibía su premio de la Academia por su trayectoria, que visto de una manera cínica era porque los votantes consideraban que sus días en el planeta estaban contados. Morricone se acercó a recibir su premio con lucidez, y comenzó a hablar en italiano en medio de una mirada desconcertante y obscena de los presentes que no entendían, hasta que Clint Eastwood -a quien le debe gran parte de su carrera por definir el sonido con el que se le reconoce- lo comienza a traducir y, en medio del discurso, menciona que este no lo ve como un premio de consolación, sino una oportunidad para seguir mejorando.
Morricone no necesitaba mejorar porque ya era magnánimo, pero esta no sería la última ocasión en la que acudiría por una estatuilla de esas.
Los ocho más odiados es una película divisoria entre fanáticos de Tarantino, pero lo que no se le puede negar es que desde el inicio Tarantino muestra su carta más fuerte con la secuencia de créditos iniciales que muestran a un Cristo en la nieve acompañado de un sombrío tema de Morricone. El director que por años había profesado su amor por el italiano ahora por fin obtenía la oportunidad de trabajar a su lado y recibía uno de los trabajos más gloriosos de este que se amolda mucho a la concepción de misterio y violencia que vamos a presenciar en las próximas horas.
26.- The Mission (1986).
Si Morricone había alcanzado popularidad con sus trabajos colaborativos al lado de Sergio Leone, fue gracias a La misión que obtuvo una popularidad que nunca volvió a alcanzar, lo cual es fácil de decir, pero realmente Morricone puso un estándar muy fuerte con La misión: es su disco más vendido y fue adoptada por parte del boom de la música new age que probablemente haya escuchado tu papá en su coche… o por lo menos eso fue en mi caso. La misión es un trabajo impecable de coros y percusiones con tres temas principales -el padre Gabriel, la comunidad guaraní, y la epónima misión- y estos con sus evocaciones espirituales terminan transformándose en evocaciones poéticas presentes en un paraíso y la comunión de los mortales con Dios. A pesar de ser el trabajo más popular de Morricone, La misión también fue prueba de que los norteamericanos tenían un pleito tendido con el compositor, cuando este en su oportunidad de tener su primer premio de la Academia era dejado de lado para darle la estatuilla a Herbie Hancock por ‘Round Midnight… un soundtrack compuesto por canciones preexistentes de las que Hancock sólo alteró ocasionalmente.
25.- Il Grande Silenzio (1968).
Leone no estuvo solo en eso de hacer western, porque podemos recordar el trabajo de los dos Sergios: Sollima y Corbucci, del cual en 1968 produce un filme que compite mucho con los del más celebrado en términos de maravillas del género. El gran silencio contrastaba mucho tanto por su ambiente alejado del desierto y presente en espacios nevados, como su frialdad y visión sobre la violencia que ejercen los sujetos habituales del género, algo que pone en paralelo a Silencio como un mártir dentro de las causas justas.
Lo que aquí presenta Morricone es algo alejado de sus hábitos dentro del género., con un tema principal que habla en un tono vago hacia qué podemos concebir de este, de si es un villano o antihéroe, es un hombre desprovisto de una posición política, es un hombre posicionado en un mundo violento en donde Morricone por primera vez en su carrera explora con el instrumento del sitar.
24.- Sacco e Vanzetti (1971).
Morricone hace uso de tres canciones de Joan Baez para expresar un trabajo en tono de réquiem sobre dos figuras italianas utlizadas de manera injusta en los procesos judiciales de Estados Unidos, generando momentos de absoluto pavor y desmoronamiento emocional para al final aceptar la llegada de lo inminente.
23.- La Califfa (1970).
La Califfa es un trabajo complicado porque a relación con la imagen, resulta uno que no ejerce la misma voluntad de desarrollo e intención que formalmente se le puede asociar a un proyecto de su compositor, porque puede presentarse como obtuso y repleto de un pesimismo deprimente para el inexperto, pero si se le da varias repasadas uno encuentra maravillas formales que no puede encontrar tan fácil dentro de toda la obra de Morricone, quizás mejor expuestos por el tema de amor de La califfa, uno de los favoritos del compositor y que también llegaría a volverse habitual en sus conciertos.
22.- Scusi, Facciamo L’Amore (1967).
Disculpe ¿Hacemos el amor?… qué clase de pregunta es esta. Pregunta que ronda por la punta de la lengua al leer el título, y de pronto encontrase con un tema principal que de manera enfática no propone nada coherente con Edda Dell’Orso,, pero que lleva una formalidad primitiva y juguetona de la que uno no puede desapegar un valor divertido, quizás el más divertido de todos los trabajos del compositor italiano que decoran una picardía delirante.
211.- Le Professionnel (1981).
Georgges Lautner tenía como compositor habitual a Philippe Sarde -a quien podemos reconocer como el autor de El señor de las moscas de 1990- pero este se encontraba en varios encargos laborales que le excluían de su colaboración para su próximo proyecto, por lo que Lautner tuvo que buscar otro colaborador el cual terminaría siendo Morricone tras una tarde de haber escuchado Chi Mai, tema original de Maddalena (1971) y que Milva había popularizado en su versión cantada.
Esto es interesante porque Lautner termina adoptando el temazo de Morricone a su película quien también produce un trabajo que podríamos adjudicar como hermano de aquel trabajo que enamoró al director del filme, todo al servicio de Joss Beaumont (Jean-Paul Belmondo), el agente traicionado por su gobierno el cual toma la terca decisión de terminar su labor y de paso a aquellos quienes vendieron sus intereses por encima de su código de honor asesino.
20.- Metti Una Sera A Cena (1969).
La epítome de las picardías italianas dentro de la carrera de Morricone se encuentra aquí, en un proyecto que además realiza al lado de otro gigante dentro del campo musical de su país: Bruno Nicolai. Lo que el duo procesa para Supongamos que una noche cenando… es un trabajo que evoca mucho a los orígenes europop de Morricone, una entrada cool que captura la esencia del sonido y estilo de los sesentas en ritmos que parecen seguir el compás de un metrónomo.
19.- Giu la Testa (1971).
La obra olvidada de Leone, antes de que este pasara un exilio de la silla de director de más de 13 años que también sería su último western merece más valoración por las audiencias y también en medida del enorme score que Morricone conceptualizaría. Desde el primer momento te suelta la relación entre los dos bribones del filme con un nada sutil Sean/John que una voz varonil canta, indicando la necesidad de uno del otro en una amistad forjada de dos machos en medio de la revolución mexicana.
18.- L’Eredita Ferramonti (1976).
Los scores románticos de época de Morricone deben de ser los más ofuscados por fanáticos, pero son los que capturan mucho la profesionalidad del maestro en torno a la capaidad de generar melodías exageradas y exacerbadas, Siendo La herencia Ferramonti la que los expertos a menudo recuperan como uno de sus mejores trabajos, en donde logra expresar el descontento de un matrimonio por conveniencia en donde el amor se ha marchitado.
17.- Da Uomo a Uomo (1968).
No es que rompa el molde en cuanto a qué hacer dentro del género considerando que ese año ya había demostrado exploraciones maravillosas en trabajos previamente mencionados, pero De hombre a hombre es un score pequeño, contenido de apenas 8 temas que no tienen desperdicio alguno. El tema principal cantado por un tono indio frente al fuego nos da una idea de la percepción de venganza del protagonista que ha invadido su sangre, que es una sed que no se va a saciar hasta las últimas consecuencias.
16.- La Leggenda Del Pianista Sull’Oceano (1998).
De todos, este debe de ser el trabajo más personal de Morricone, puesto que ante la realización de un proyecto sobre un músico, el italiano tuvo que supervisar de lleno la creación de las escenas para darle una plausibilidad a momentos en donde 1900 logra volverse el mejor pianista de todos los tiempos. Logra hacer esto logrando mezclar sus sensibilidades al lado de sonidos con sonidos reminiscentes de George Gershwin en un material repleto de una sensación además, de aventura. Así, la película nos termina hablando más de la proficencia del maestro más que en ninguna otra ocasión.
15.- Ad Ogni Costo (1967).
Si Frantic es una exploración a los entornos electrónicos que no siempre se dejaba ver por parte del compositor, Diamantes A Go-Go es aún más raro, porque Morricone presenta una percepción anárquica del leit motif, prefiriendo componer secuencias con una aspiración cool y con un registro de samba que nunca volvió a tocar, lo cual es una pena porque no lo hizo nada mal…
14.- Il Ritorno Di Ringo (1965).
El caso de la saga de Ringo es muy particular, porque son spaguetti westerns generados en respuesta al boom del momento, por lo que la participación de Morricone podría parecer un acto paródico… lo cual no lo es. Sigue emulando su forma de trabajar pero lo que tiene de genial son sus canciones; interpretadas por Maurizio Graf en un tono que registra el cliché del héroe ranchero, a eso se le tiene que sumar dos ocasiones en donde Morricone se pone de manteles largos y por única ocasión en su carrera, concibe dos canciones de mariachi.
13.- Allonsanfan (1973).
Tarantino terminaría popularizando Rabbia e Tarantella gracias al final de Bastardos sin Gloria (2009), película que terminaría adoptando el tema como principal, lo cual da registro del director de encontrar una afinidad por los temas violentos y enérgicos de la discografía de Morricone. Allosanfan es un trabajo que no niega las convicciones italianas que profesa y es un trabajo que grita por el ansia de recuperar la libertad frente a las complicaciones de la realidad sociopolítica que los carbonarios encontraban.
12.- La Storia Vera Della Signora Dalle Camelie (1981).
Morricone concibe un sombrio tema principal para Alfonsina en piano que resalta la infructífera vida de miserias que ha tenido que llevar, es interesante porque este sentimiento no es algo que comúnmente se asocia al instrumento y es algo dfícil de resaltar, pero también ayuda a que el mundo de esta mujer resulte más iluminado y jovial. Es una equisita obra dentro del catálogo clásico/romántico de Morricone…puntos extras por tener la a Luciana Turina en francés.
Destaca un poderoso tema de amor, sobre el que se ejecutan algunas variaciones y que se aplica para resaltar el desesperado romance entre los dos protagonistas. En lo que concierne a los temas ambientales, su exquisitez se refuerza con la participación vocal de Luciana Turina.
11.- Cinema Paradiso (1988).
Es muy probable que la gente al saber de la muerte del legendario compositor, hayan regresado al momento que lo descubrieron, y muchos descubrieron a Morricone a través de Cinema Paradiso, que si somos honestos es el elemento más importante: sin este no creo que Cinema Paradiso tuviese la misma fuerza a la hora de expresar el sentimiento de nostalgia y el primer amor que toda persona rememora en un punto distante de su vida. Es interesante cómo Morricone antepone esto para presentar a un hombre ajeno a un espacio y mundo del que antes ya formaba parte de su entorno -y que era musicalizado a través de este- pero que, tras una visita comienza a valorar estos momentos que lo formaron, quizás mejor expresos en el tema de amor que si bien no es de Morricone sí presenta una dinámica igual de enternecedora y de valor, porque se trata de la herencia musical que este ha dejado en la industria del cine a través de su propio hijo.
10.- Il novecento (1976).
Bernardo Bertolucci concibe una monstruosidad de fílme de más de 5 horas de duración y consigue que Morricone se haga cargo del trabajo musical. Hasta donde yo recuerde y bajo el único material que ha salido a la luz, 1900 sólo cuenta con 1 hora de música por parte del compositor italiano, pero en esa hora logra expresar a gran medida lo que Bertolucci buscaba: narrar la historia de la Italia presente en el inicio del 1900 hasta pasada la época de la segunda guerra mundial. Temáticamente Morricone concibe el romanzo, una canción extremadamente optimista que vislumbra esta noción de sus protagonistas y el futuro que quieren ver como algo de positivismo, que luego fragmenta en 4 etapas -precisamente como las cuatro estaciones- en donde las amenazas de los conflictos sociales son inevitables.
9.- La Notte e Il Momento (1995).
Una comedia de enredos de época concebida de manera exquisita por parte del compositor, que generan una percepción de falsedad picarezca sobre el romance de los dos protagonistas y sus actuares eróticos.
8.- Le Marginal (1983).
Jean-Paul Belmondo es un rey de lo cool, un hombre que gracias a El profesional encontró un aire como actor de acción, y dentro del género, estelarizaría su proyecto más popular con El Marginal, en donde también tiene la fortuna de tener un tema musical por parte de Morricone.
Belmondo tiene la fortuna de tener uno de sus mejores a disposición, porque si antes había heredado Chi Mai, aquí la acción derivada de un hombre antepuesto ante el sistema que lo quiere ver derrotado presenta un material de igual parte trágico y emocionante.
7.- Canone Inverso (2000).
Si La leyenda del 1900 era la fabulación de amor de Morricone con el piano, aquí en Canone Inverso, es un drama de época que sire como excusa para volver al violín como un instrumento clave narrativo y conductor del score. Aquí el nivel de virtuoso es un título que le queda corto, sobre todo considerando el tema primordial de todo el proyecto: Finale di un concerto romantico interrotto, una pieza que marca un antes y después de una persona cuando escucha a Morricone.
El título del filme afuera de Italia sería Haciendo el amor, y pues en efecto, describe este accionar por parte del compositor. También recomendable e imponente sería la ocasión en la que el maestro dirigiera una versión de 14 minutos para el concierto en Arena, Munich.
6.- The Untouchables (1986).
El tema de Los intocables fue EL TEMA: el que me dio a conocer el mundo de Ennio Morricone desde que era un niño y precisamente el que visité tras la noticia. Es una belleza de material que representa el optimismo y valentía de un grupo de personas que quieren corregir el sistema podrido, una ensoñación de un mundo justo y que los aproxima como héroes inquebrantables y legendarios.
Este tema es de mejor valor representando el contraste presente en el de Al Capone, quien se muestra desprovisto de gloria que podemos percibir como natural, construída con clave y fanfarrón y que lleva de consecuencia las pérdidas del filme, que también afloran un sentimiento devastador al poder musical otorgado por Morricone.
5.- Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo (1966).
El bueno, El malo y el feo nunca esconde su espectacular calidad no sólo como música contemplada para el cine sino como composición musical en sí. Hay disparos, hay gritos, hay silbidos, está Edda Dell’Orso… son todos los elementos que Morricone en ya buen tiempo para el estreno de la tercera entrega del hombre sin nombre y a pesar de esto es fresca y atrevida desde el primer día.
Lo mejor es que se puede escuchar dentro y fuera del filme, y en este la armonía presente en las escenas es impecable a tal grado de que son útiles a la hora de representar la valía y poder de la música extradiegética de un filme… este es un viaje inolvidable que todo mundo debe de pasar: Desde la secuencia de títulos principales con cañones, la ruptura de tiempo para poner el título de cada protagonista mientras la música sigue de manera burlona, el desierto más infernal que se ha visto gracias al patrón de repetición musical, la carroza de fantasmas que se anuncia con una trompeta triunfal, la misión que de manera humilde provee salud a los necesitados, el campo de concentración que con una canción melancólica rememora la gloria perdida mientras ocurre una escena de tortura, pasando por un soldado caído que tiene un momento enternecedor -el único de todo el filme- y por último, la pesadilla que representa encontrar el tesoro a falta de un paso que resulta ser el más complicado de resolver en un cementerio repleto de tumbas similes… y el duelo final con los tres hombres.
Morricone estableció un punto crítico e histórico aquí… no necesitaba componer más, por fortuna lo siguió haciendo.
4.- Once Upon a Time in the West (1968).
Si El bueno, el malo y el feo es un ejemplo perfecto de la armonía presente en una escena y la música, Érase una vez en el Oeste es la perfecta clase del uso de la música para denotar elementos dentro del argumento: los personajes poseen temas que ocasionalmente aparecen en otros para constatar un sentimiento o generar confusión entre la audiencia.
Este último ejemplo es el más célebre porque de manera económica Morricone crea el legado del ángel de la muerte, un hombre cuya armónica advierte que las cosas van a salir mal para los presentes, un espectro de habilidad nata pero cuyas motivaciones si bien no quedan claras en el filme a primera lectura, sí lo expresan a través de su mortal y escabroso himno.
Morricone nunca volvería a expresar un sentimiento tan bello y amenazador en el western -y de una manera tan simple- a partir de ese año. Es el clásico absoluto del género y da coraje al grado de sacar espuma por la boca pensar en que Paramount no consideraría viable la nominación de Morricone al Oscar por mejor música original y que sí llegaron a pensarlo, pero fue un problema de papeleo.
La burocracia afecta hasta en el arte del score mis amigos.
3.- Maddalena (1971).
Para mí Maddalena representa mucho el valor de Morricone: Nunca he visto la película, es bastante complicada de conseguir… pero tengo una noción de qué trata. Es una comedia erótica que habla de un hombre fé que tiene la poca fortuna de encontrarse con dos mujeres llamadas Madalena -énfasis en el nombre Magdalena– las cuales le hacen sentir una lujuria ajena a su misión y labor. Esto se procesa de maravilla con su música, el único hilo conductor que se necesita: Un ritmo reflejo de la samba que antes exploró en una ocasión dan paso a un órgano -el instrumento religioso por antonomasía- que acompañan a una mujer en éxtasis que lamenta su falta de atención sexual mientras un coro de querubines ridiculiza al hombre. Esto ocurre tan sólo en el primer track del score, unos nueve minutos que nunca se sienten y que narran una historia a un grado perfeccionista pocas veces superado… esa superación es presente en el mismo trabajo.
Chi Mai es una de las canciones más populares de Morricone, si no es que la más popular dentro de su natal Italia, un tema agónico y vilificante con violines que puede ir acompañado de una vocal femenina -popularizado por la habitual colaboradora de Morricone, Milva– que realza el poder pasional de una mujer que sigue expresando el poder de tener gozo sexual, esta vez con dos mujeres que se desviven por un común, y que desprovisto de su letra sirve de un contenido agónico que Morricone llegaría a usar en otros materiales.
2.- The Thing (1982).
John Carpenter ha declarado en numerosas ocasiones el amor que le tenía a Morricone y su música, que lo llevaron a querer trabajar en ese campo al mismo tiempo que en las áreas como escritor, guionista y productor (incluso en su boda llegaría a bailar el vals con el tema de Jill de Érase una vez en Oeste). Cuando este tuo la oportunidad de trabajar con el italiano no lo pensó dos veces y fue a través del remake de su película favorita.
Si La cosa habla de un ser del espacio exterior que asimila cuerpos, el trabajo de Morricone hace esto, adopta los estilos y sonidos habituales de Carpenter los cuales trabajó de manera poco habitual para otros colaboradores que no se llamaran Sergio Leone: lejos de ver el proyecto final, escuchó la historia a través de su director y creo unos temas que dejó a total libertad para que este los pusiera en el filme.
El resultado es el trabajo más desesperanzador, agónico, oscuro y aterrador de su carrera, un trabajo que no tiene ningún atisbo de positivo, de que los héroes encontrarán la luz al final del camino. La cosa pasa en un tono minimalista y a veces herencia de la escuela polaca del sonido avant garde que te hiela la sangre, y por si fuera poco, tiene una revisión del tema principal concebido en sintetizadores que Carpenter trabajó a segunda mano para ofrecer un viaje que en su tiempo recibió críticas.
¿Quieres una razón para desestimar la mierda de premios que son los Razzie? Estos nominaron el mejor trabajo de Morricone dentro del género sin siquiera entenderlo o escucharlo, sólo por mala publicidad.
1.- Once Upon a Time in America (1984).
El mejor trabajo en la carrera de Morricone ocurrió en 1984, el año en donde se despide de su mejor amigo.
Leone pasó más de una década sin filmar, pero cuando lo hizo concibió un filme que advertía la muerte del gángster noble y portentoso que la anterior década había desarrollado como respuesta a al rechazo de las instituciones. Si sus vaqueros ya habían realzado esta noción, los mafiosos de Leone eran unas bestias salvajes que seguían creciendo y que sólo ellos pueden ver pureza en su camino de muerte.
Morricone trabajó este asunto, y Érase una vez en América es una bellísima carta de despedida que evoca una radiante y doliente mirada de nostalgia a los tiempos que fueron que ante los ojos del lamentado eran tiempos perfectos. Es una reflexión que ocurre en el ocaso de una persona, un ocaso de colores ocres que parecen sentir tus oídos, que te dejan sentimental porque si bien no eres una bestia -o por lo menos eso espero- sí has lamentado la pérdidas en tu andar: tus amigos, tu vida, tu posición, tu valía, tu nombre.
Fue una tragedia ver que Érase una vez en América fuera ignorada por la crítica de su momento, dañando también la percepción del mejor score dentro de la carrera del italiano, al cual tuvo también el tristísimo golpe de no poder ver más a su mejor amigo, quien apagaría los ojos por un ataque al corazón… pero de alguna forma sé que estos días se han reencontrado.
Morricone dependió mucho de los trabajos de Leone, pero creo que este lo necesitaba más que nadie en este mundo, porque el compositor desarrolló una identidad inquebrantable con obra tras obra maestra que son un deleite para nosotros los mortales.
Gracias Ennio, siempre te voy a amar.
